Leyendas del Rock 2024_cartel final
Dimmu Borgir

Dimmu Borgir fue fundado por Shagrath (Stian Thoresen), Silenoz (Sven Atle Kopperud) y Tjodalv (Ian Kenneth Åkesson) en Oslo, Noruega. El nombre de la banda, que significa «fortaleza oscura» en islandés, refleja su inclinación por los temas sombríos y las atmósferas místicas. En 1994, lanzaron su primer álbum, «For All Tid», que estableció su estilo inicial de black metal con influencias melódicas y folk.

El lanzamiento de «Enthrone Darkness Triumphant» en 1997 marcó un punto de inflexión para Dimmu Borgir. Este álbum, lanzado por Nuclear Blast, fue un éxito comercial y crítico, y es considerado uno de los discos más importantes del black metal sinfónico. Con canciones como «Mourning Palace» y «Spellbound (By the Devil)», la banda demostró su capacidad para integrar complejas orquestaciones y coros épicos con la crudeza del black metal.

La banda continuó evolucionando con cada álbum, incorporando elementos sinfónicos más elaborados y producciones de alta calidad. «Puritanical Euphoric Misanthropia» (2001) y «Death Cult Armageddon» (2003) destacaron por su grandiosidad orquestal y su exploración de temas apocalípticos y misantrópicos. El uso de la Orquesta Filarmónica de Praga en «Death Cult Armageddon» llevó su sonido a un nuevo nivel de sofisticación y drama.

«In Sorte Diaboli» (2007) fue el primer álbum conceptual de la banda, centrado en la historia de un sacerdote medieval que se convierte en el Anticristo. Este álbum consolidó aún más su reputación internacional, alcanzando altos puestos en las listas de éxitos en Europa y América del Norte. La gira de promoción de este álbum llevó a la banda a actuar en algunos de los escenarios más grandes del mundo, incluidos festivales como Wacken Open Air y Hellfest.

La formación de Dimmu Borgir ha visto numerosos cambios a lo largo de los años, con Shagrath y Silenoz siendo los miembros constantes. En 2010, el baterista Daray y el tecladista Gerlioz se unieron a la banda, aportando nuevas dinámicas y energía. «Eonian» (2018), su último álbum hasta la fecha, celebra el 25 aniversario de la banda y explora conceptos filosóficos y existenciales a través de una mezcla de black metal sinfónico y elementos progresivos. Con «Eonian», Dimmu Borgir reafirmó su capacidad para innovar y evolucionar dentro del género, recibiendo elogios tanto de críticos como de fanáticos.

En los últimos años, Dimmu Borgir ha seguido actuando en vivo y trabajando en nuevos proyectos. Su dedicación a ofrecer actuaciones en vivo espectaculares, a menudo con orquestas y coros completos, ha establecido un nuevo estándar para los conciertos de metal extremo. Los fans esperan con ansias su próximo álbum, que promete seguir empujando los límites del black metal sinfónico.

Dimmu Borgir es más que una banda de black metal; son arquitectos de un sonido que combina lo brutal y lo hermoso, lo oscuro y lo épico. Con una carrera que abarca casi tres décadas, han demostrado una y otra vez su capacidad para reinventarse y seguir siendo relevantes. Su legado en la música extrema está asegurado, y su influencia seguirá resonando en las generaciones futuras de músicos y fans.

Electric Callboy

Electric Callboy fue fundada por Kevin Ratajczak (voz y teclados), Daniel «Danskimo» Haniß (guitarra), Pascal Schillo (guitarra), Daniel Klossek (bajo), Michael «Michi» Malitzki (batería) y Sebastian «Sushi» Biesler (voz). Desde sus inicios, la banda se distinguió por su mezcla de riffs pesados, breakdowns intensos y sintetizadores pegajosos, combinados con letras a menudo humorísticas y provocativas.

El lanzamiento de su álbum debut «Bury Me in Vegas» en 2012 marcó el comienzo de su ascenso en la escena metalcore. Con canciones como «Is Anyone Up?» y «We Are the Mess», la banda rápidamente capturó la atención de los fans del metalcore y la música electrónica. Su capacidad para integrar elementos de fiesta y humor en su música les permitió destacar en un género a menudo conocido por su seriedad.

En 2014, el álbum «We Are the Mess» consolidó aún más su popularidad. Este disco, que incluye éxitos como «Party at the Horror House» y «Jagger Swagger», mostró la evolución de su sonido y la capacidad de la banda para crear himnos de fiesta irresistibles.

En marzo de 2020, la banda anunció un cambio significativo: pasaron de llamarse Eskimo Callboy a Electric Callboy. Esta decisión fue parte de un esfuerzo por reflejar una imagen más madura y moderna, al tiempo que se alejaban de cualquier posible connotación negativa asociada con su nombre anterior.

El cambio de nombre también coincidió con una evolución en su música. En 2021, Electric Callboy lanzó el EP «MMXX», que incluye éxitos como «Hypa Hypa», una canción que rápidamente se convirtió en un fenómeno viral gracias a su mezcla infecciosa de metalcore, dance y humor. El video musical, con su estética retro y coreografías divertidas, contribuyó a su éxito viral en plataformas de medios sociales.

Electric Callboy ha logrado lo que pocas bandas en el género pueden: mantener una base de fans leales mientras atraen a nuevos oyentes con cada lanzamiento. Su habilidad para fusionar géneros y crear música que es tanto pesada como bailable les ha ganado seguidores en todo el mundo. Además, su enfoque despreocupado y su capacidad para no tomarse demasiado en serio les ha permitido conectar con una audiencia diversa.

En 2022, la banda lanzó su álbum más reciente, «Tekkno», que continúa su exploración de la intersección entre el metalcore y la música electrónica. Con canciones como «Pump It» y «We Got the Moves», el álbum ha sido aclamado tanto por críticos como por fans, solidificando su posición como innovadores en la escena musical moderna.

Electric Callboy sigue siendo una presencia dinámica en la música en vivo, conocida por sus actuaciones enérgicas y llenas de diversión. Su capacidad para crear una experiencia de concierto que es tanto un espectáculo de metal como una fiesta de baile ha establecido un nuevo estándar para las bandas de su género.

Electric Callboy es un testimonio del poder de la innovación y la evolución en la música. Su capacidad para desafiar las expectativas del género y crear una fusión única de metalcore y música electrónica los ha convertido en pioneros de la escena musical moderna. Con cada nuevo lanzamiento, Electric Callboy continúa demostrando que no tienen miedo de romper moldes y explorar nuevas direcciones, asegurando que su legado en la música contemporánea siga creciendo.

Jinjer

Jinjer fue fundada por Roman Ibramkhalilov (guitarra), Maksym Fatullaiev (voz), y Oleksiy Svynar (bajo), pero fue con la llegada de Tatiana Shmailyuk (voz) y Eugene Abdukhanov (bajo) que la banda encontró su alineación definitiva y su estilo distintivo. La banda rápidamente se destacó en la escena local ucraniana gracias a su habilidad para fusionar elementos de metalcore, groove metal y progresivo, creando una mezcla única y potente.

El primer álbum de estudio de Jinjer, «Inhale, Don’t Breathe», lanzado en 2012, estableció las bases de su sonido característico. Sin embargo, fue su segundo álbum, «Cloud Factory» (2014), el que comenzó a atraer atención internacional. Canciones como «Words of Wisdom» y «Outlander» mostraron la destreza técnica de la banda y la versatilidad vocal de Shmailyuk, alternando entre guturales feroces y voces limpias melódicas con facilidad.

El lanzamiento de «King of Everything» en 2016 marcó un hito importante en la carrera de Jinjer. El álbum, que incluye el aclamado sencillo «Pisces», catapultó a la banda a la fama internacional. «Pisces» en particular se volvió viral, destacándose por su intrincada estructura musical y la impresionante performance vocal de Shmailyuk, consolidando su reputación como una de las vocalistas más versátiles del género.

En 2019, Jinjer lanzó «Macro», un álbum que llevó su sonido a nuevas alturas. Con una producción más pulida y composiciones más complejas, «Macro» recibió elogios tanto de críticos como de fanáticos. Temas como «Judgement (& Punishment)» y «On the Top» exploran una amplia gama de influencias, desde el reggae hasta el jazz, integradas en su potente base de metal progresivo. Este álbum no solo destacó la evolución musical de Jinjer, sino también su habilidad para abordar temas líricos profundos y personales.

En 2021, Jinjer lanzó su álbum más reciente, «Wallflowers», que continúa explorando nuevos territorios musicales y líricos. Con canciones como «Vortex» y «Mediator», la banda sigue desafiando las expectativas y expandiendo su sonido. «Wallflowers» ha sido aclamado por su profundidad emocional y su complejidad técnica, reafirmando el estatus de Jinjer como pioneros del metal progresivo.

Además de su éxito musical, Jinjer ha sido vocal sobre diversos temas sociales y políticos, especialmente en relación con su país natal, Ucrania. La banda ha utilizado su plataforma para abogar por la paz y la justicia, reflejando su compromiso con causas que trascienden la música.

Jinjer ha dejado una marca indeleble en la escena del metal moderno. Su capacidad para fusionar géneros y técnicas variadas ha influido en numerosas bandas emergentes y ha expandido los límites del metal progresivo. La impresionante habilidad vocal de Tatiana Shmailyuk y la destreza técnica de los músicos de Jinjer han establecido nuevos estándares en el género.

Jinjer ha demostrado ser una fuerza innovadora y poderosa en la música metal contemporánea. Con su enfoque único que combina técnica, emoción y una amplia gama de influencias, han logrado conquistar audiencias a nivel mundial. A medida que continúan evolucionando y explorando nuevas direcciones musicales, Jinjer sigue reafirmando su posición como una de las bandas más importantes e influyentes en la escena del metal progresivo. Su compromiso con la excelencia musical y su activismo sincero aseguran que su impacto perdurará en los años venideros.

 

Sonata Artica

Sonata Arctica fue inicialmente fundada bajo el nombre de Tricky Beans, pero cambió su nombre a Sonata Arctica en 1999, coincidiendo con un cambio de dirección musical hacia un sonido más orientado al power metal. La formación original incluía a Tony Kakko (voz y teclados), Jani Liimatainen (guitarra), Tommy Portimo (batería), Marko Paasikoski (bajo) y Janne Kivilahti (bajo). Con la incorporación de Kakko como vocalista principal, la banda comenzó a desarrollar el sonido melódico y energético que los haría famosos.

El álbum debut de Sonata Arctica, «Ecliptica» (1999), fue lanzado bajo la discográfica Spinefarm Records y recibió aclamación inmediata. Con temas emblemáticos como «FullMoon» y «Replica», el álbum demostró la habilidad de la banda para combinar velocidad, melodía y emotividad en sus composiciones. «Ecliptica» rápidamente estableció a Sonata Arctica como una fuerza a tener en cuenta en la escena del power metal.

El éxito continuó con los siguientes álbumes, «Silence» (2001) y «Winterheart’s Guild» (2003), que consolidaron aún más su reputación. Canciones como «Wolf & Raven» y «Victoria’s Secret» mostraron la evolución musical de la banda, con arreglos más complejos y una producción más pulida.

Con el lanzamiento de «Reckoning Night» en 2004, Sonata Arctica comenzó a experimentar con estructuras de canciones más variadas y temáticas más oscuras. Este álbum incluye el éxito «Don’t Say a Word» y la épica «White Pearl, Black Oceans…», que se convirtieron en favoritos entre los fans.

El álbum «Unia» (2007) marcó un punto de inflexión en la carrera de la banda, introduciendo elementos progresivos y una mayor complejidad en sus composiciones. Aunque algunos seguidores tradicionales del power metal consideraron este cambio arriesgado, «Unia» demostró la voluntad de Sonata Arctica de evolucionar y no quedarse estancados en una fórmula.

En los últimos años, Sonata Arctica ha continuado explorando nuevas direcciones musicales. Su décimo álbum de estudio, «Talviyö» (2019), recibió críticas positivas por su mezcla de melodías clásicas de power metal y elementos más experimentales. Canciones como «Cold» y «Storm the Armada» muestran la madurez musical de la banda y su habilidad para mantenerse relevantes en la escena moderna.

En 2021, la banda lanzó «Acoustic Adventures – Volume One», el primero de dos álbumes acústicos que reimaginan algunas de sus canciones más queridas en un formato más íntimo y orgánico. Este proyecto ha sido bien recibido, destacando la versatilidad y la calidad de las composiciones de Sonata Arctica, independientemente del estilo de interpretación.

Sonata Arctica ha tenido un impacto significativo en la escena del metal mundial. Su capacidad para combinar melodías pegajosas, letras introspectivas y una energía contagiosa ha inspirado a innumerables bandas y ha atraído a una amplia base de seguidores. Con una carrera llena de éxitos y una constante evolución musical, Sonata Arctica sigue siendo una banda que desafía las expectativas y se reinventa con cada lanzamiento.

A medida que miran hacia el futuro, Sonata Arctica continúa trabajando en nuevos proyectos y giras mundiales. La banda anuncio el lanzamiento de «Acoustic Adventures – Volume Two» en 2023.

Sonata Arctica ha demostrado ser una banda de metal melódico capaz de evolucionar y mantenerse relevante en un panorama musical en constante cambio. Su compromiso con la innovación, la calidad musical y la conexión con sus fans asegura que seguirán siendo una fuerza influyente en la música metal durante muchos años más. Con cada nuevo álbum y cada nueva gira, Sonata Arctica reafirma su lugar como uno de los pilares del power metal moderno.

Hamatom

HAMATON actuación en el Leyendas del Rock 2023

Hämatom se formó en 2004 en la región de Baviera, Alemania. La banda rápidamente se destacó por su enfoque enérgico y su estilo visual impactante. Sus miembros, adoptando nombres en clave basados en los puntos cardinales, desarrollaron una identidad de grupo que fusiona elementos de teatro y metal. Su primer EP, «Nein», lanzado en 2005, estableció las bases de su sonido: una mezcla contundente de metal, industrial y punk.

El álbum debut de la banda, «Wut» (2008), presentó una colección de canciones llenas de energía y letras que abordaban temas de ira y frustración social. Con este lanzamiento, Hämatom comenzó a atraer una base de fans dedicada y a hacerse un nombre en la escena metalera alemana.

Con el paso de los años, Hämatom continuó evolucionando y refinando su sonido. Álbumes como «Wenn man vom Teufel spricht» (2011) y «Keinzeitmensch» (2013) demostraron la habilidad de la banda para combinar riffs pesados con melodías pegajosas y letras provocativas. Canciones como «Leck Mich!» y «Zeit für neue Hymnen» se convirtieron en himnos entre sus seguidores, consolidando su reputación como una banda que no teme abordar temas controvertidos.

El verdadero punto de inflexión en la carrera de Hämatom llegó con el álbum «Wir sind Gott» (2016), que debutó en el número 5 en las listas de álbumes alemanas. Este éxito comercial fue seguido por «Bestie der Freiheit» (2018), que alcanzó el puesto número 2, demostrando que la banda había alcanzado nuevas alturas en términos de popularidad y reconocimiento. Con letras que exploran temas de libertad y rebeldía, y una producción más pulida, estos álbumes mostraron la madurez musical de Hämatom y su capacidad para resonar con un público más amplio.

En 2020, Hämatom lanzó «Maskenball», un álbum conceptual que juega con su imagen de banda enmascarada y aborda temas de identidad y percepción. Este lanzamiento fue seguido por el álbum «Berlin» (2021), que celebra la vibrante y diversa capital alemana, explorando su historia y cultura a través de una lente metalera.

En 2022, la banda lanzó «Die Liebe ist tot», un álbum que mezcla su característico sonido agresivo con nuevas influencias y exploraciones líricas sobre el amor y la desesperación. Con este álbum, Hämatom continúa demostrando su capacidad para innovar y mantenerse relevante en un panorama musical en constante cambio.

Hämatom ha dejado una marca indeleble en la escena del metal, no solo en Alemania sino también en el extranjero. Su estilo distintivo, que combina elementos de metal industrial, punk y rock, junto con su fuerte presencia escénica y su enfoque teatral, ha capturado la imaginación de los fans de todo el mundo. La banda ha sido elogiada por su capacidad para abordar temas sociales y políticos de manera audaz y provocativa, utilizando su música como una plataforma para la reflexión y el cambio.

A medida que Hämatom mira hacia el futuro, la banda sigue comprometida con la creación de música innovadora y emocionante. Con planes para nuevas giras y proyectos, Hämatom continúa desafiando las expectativas y expandiendo su base de fans. Su capacidad para evolucionar y adaptarse a los tiempos, manteniendo su esencia rebelde e inquebrantable, asegura que seguirán siendo una fuerza dominante en la escena del metal por muchos años más.

Hämatom se ha establecido como una de las bandas más importantes y emocionantes del metal industrial alemán. Su enfoque único en la música y la performance, combinado con su disposición para abordar temas provocativos y relevantes, los ha convertido en un nombre respetado y admirado en la escena del metal. Con una carrera que continúa en ascenso y una dedicación inquebrantable a su arte, Hämatom sigue demostrando que son una banda que no solo entiende el metal, sino que también lo redefine y lo lleva a nuevas alturas.

Leo Jimenez

Leo Jiménez nació el 17 de agosto de 1979 en Fuenlabrada, Madrid. Desde joven mostró un gran interés por la música, influenciado por bandas de heavy metal y hard rock. Su carrera profesional comenzó a tomar forma a principios de los años 90 cuando se unió a la banda Krysalida. Sin embargo, su primer gran salto a la fama llegó en 1999 cuando se convirtió en el vocalista de Saratoga, una de las bandas de heavy metal más influyentes de España.

Con Saratoga, Leo grabó algunos de los álbumes más emblemáticos del grupo, como «Vientos de Guerra» (1999), «Agotarás» (2002) y «El Clan de la Lucha» (2004). Su potente voz y su capacidad para transmitir emoción rápidamente lo convirtieron en una de las voces más reconocidas del metal español.

En 2006, Leo dejó Saratoga para explorar nuevos horizontes musicales. Formó la banda Stravaganzza junto a Pepe Herrero, fusionando metal con elementos sinfónicos y góticos. Stravaganzza lanzó cuatro álbumes de estudio, destacándose «Requiem» (2007) y «Raíces» (2010), donde Leo pudo explorar un rango vocal y creativo más amplio.

En 2012, Leo Jiménez decidió embarcarse en una carrera en solitario. Su primer álbum, «Títere con Cabeza», mostró su capacidad para fusionar heavy metal tradicional con influencias modernas y progresivas. Canciones como «Desde Niño» y «Caminos de Agua» destacaron por su intensidad y profundidad lírica.

Leo ha seguido evolucionando su sonido y expandiendo su influencia. Su álbum «Mesías» (2019) fue un testimonio de su constante crecimiento como artista, presentando una mezcla de heavy metal, thrash y elementos melódicos que resonaron fuertemente con sus fans.

En los últimos años, Leo ha continuado lanzando música que desafía las convenciones del género. Su EP «La Factoría del Contraste» (2021) mostró una mezcla de estilos que van desde el metalcore hasta el power metal, destacando su versatilidad y su deseo de innovar. Además, ha colaborado con varios artistas de la escena metalera y rockera, demostrando su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y géneros.

En 2022, Leo Jiménez lanzó su álbum «Sangre», un trabajo que ha sido aclamado tanto por críticos como por fans. Este disco destaca por su producción impecable y la madurez musical que Leo ha alcanzado a lo largo de su carrera. Temas como «Sangre», «Volver» y «Valle de Sombras» reflejan su habilidad para combinar letras profundas y personales con una instrumentación potente y emotiva.

Leo también ha estado activo en la escena en vivo, realizando giras por España y Latinoamérica, donde ha compartido escenario con algunas de las bandas más importantes del metal. Su presencia en conciertos y festivales ha solidificado su reputación como un frontman carismático y enérgico, capaz de capturar la atención del público con cada actuación.

Además de su carrera en solitario, Leo ha colaborado con bandas y artistas internacionales, aportando su distintiva voz a proyectos que cruzan las fronteras del metal tradicional. Estas colaboraciones han incluido trabajos con artistas de géneros tan diversos como el rock sinfónico y el metal progresivo, demostrando su versatilidad y talento.

Leo Jiménez ha dejado una huella profunda en la escena del metal en español. Su capacidad para reinventarse y evolucionar constantemente ha sido clave para su longevidad y relevancia. Con una carrera que abarca más de dos décadas, ha influido a innumerables músicos y ha contribuido significativamente a la popularidad del metal en España y más allá.

Su música no solo ha entretenido a sus seguidores, sino que también ha abordado temas importantes como la lucha personal, la resistencia y la esperanza. Las letras de Leo son conocidas por su profundidad y su capacidad para conectar con las experiencias y emociones humanas, lo que ha resonado fuertemente con sus oyentes.

Mirando hacia el futuro, Leo Jiménez continúa siendo una fuerza creativa en la industria musical. Con planes para nuevas grabaciones y giras, sigue comprometido con su arte y con sus fans. La capacidad de Leo para evolucionar y adaptarse asegura que su música continuará siendo relevante y emocionante para las futuras generaciones de metaleros.

Además, Leo ha expresado interés en explorar nuevos medios y colaboraciones, lo que sugiere que podríamos verlo incursionar en proyectos innovadores y únicos. Su pasión por la música y su dedicación a su oficio garantizan que seguirá siendo una figura central en la escena del metal durante muchos años más.

Leo Jiménez es, sin duda, una de las voces más icónicas y respetadas del metal en español. Su carrera está marcada por una constante evolución, un compromiso inquebrantable con la calidad musical y una conexión profunda con sus fans. A través de sus numerosos proyectos y colaboraciones, ha demostrado ser un artista versátil y dinámico, capaz de navegar y redefinir los límites del metal. Con su legado ya bien establecido, el futuro promete aún más éxitos y contribuciones significativas de este talentoso músico.

Beyond the Black

Beyond the Black fue formada en Mannheim, Alemania, en 2014. La banda fue originalmente concebida por la vocalista Jennifer Haben, una joven y talentosa cantante con una fuerte inclinación por el metal sinfónico y el power metal. El grupo rápidamente se consolidó con una alineación de músicos experimentados, incluyendo a Nils Lesser en la guitarra, Tobias Derer en la batería, Christopher Hummels en la guitarra rítmica y Michael Hauser en el teclado.

El lanzamiento de su álbum debut, «Songs of Love and Death» en 2015, marcó su entrada oficial en la escena del metal sinfónico. El álbum fue bien recibido por la crítica y los fans, destacando por su producción pulida y sus composiciones llenas de energía. Canciones como «In the Shadows» y «Hallelujah» rápidamente se convirtieron en favoritas del público.

Desde su álbum debut, Beyond the Black ha demostrado una notable capacidad para evolucionar y expandir su sonido. En 2016, lanzaron «Lost in Forever», un álbum que consolidó su reputación con temas más maduros y complejos. La mezcla de elementos sinfónicos con metal melódico y letras emotivas resonó fuertemente entre los fans.

El año 2018 trajo consigo su tercer álbum, «Heart of the Hurricane», un proyecto ambicioso que mostró una mayor cohesión y refinamiento en su estilo musical. Este álbum no solo destacó por sus poderosas baladas y canciones intensas, sino también por su enfoque temático en la resiliencia y la superación personal.

En 2020, Beyond the Black lanzó «Hørizøns», un álbum que representa un punto culminante en su carrera. Con una producción más moderna y la inclusión de elementos electrónicos, la banda logró un sonido fresco y contemporáneo sin perder la esencia sinfónica que los caracteriza. Canciones como «Misery» y «Wounded Healer» (una colaboración con Elize Ryd de Amaranthe) muestran la capacidad de la banda para innovar y mantenerse relevante en una industria musical en constante cambio.

Además, Beyond the Black ha sido un elemento fijo en importantes festivales de metal en Europa, incluyendo Wacken Open Air y Summer Breeze, donde han demostrado su capacidad para ofrecer actuaciones en vivo electrizantes y conmovedoras.

Beyond the Black ha tenido un impacto significativo en la escena del metal sinfónico y continúa ganando reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional. Su capacidad para combinar elementos sinfónicos con una contundente base de metal melódico, junto con la poderosa voz de Jennifer Haben, los ha distinguido en un género competitivo. La banda ha sido elogiada por su habilidad para crear composiciones emocionales y técnicamente complejas que resuenan profundamente con sus fans.

La fuerza de Beyond the Black no solo radica en sus álbumes de estudio, sino también en sus presentaciones en vivo. La banda ha recorrido extensamente Europa, ganando una base de seguidores leal gracias a su impresionante presencia escénica y su capacidad para conectar con el público. Han compartido escenario con grandes nombres del metal y han sido invitados a algunos de los festivales más prestigiosos del mundo, solidificando su posición como una banda que no solo brilla en el estudio, sino también en el escenario.

Una de las características notables de Beyond the Black es su disposición para colaborar con otros artistas, lo que ha enriquecido su sonido y ampliado su audiencia. Jennifer Haben, en particular, ha participado en diversos proyectos paralelos y colaboraciones, destacándose en la comunidad del metal sinfónico. Estas colaboraciones han incluido trabajos con otros vocalistas prominentes y músicos de renombre, añadiendo una capa adicional de diversidad y atractivo a la música de la banda.

El año 2023 ha sido significativo para Beyond the Black con el lanzamiento de su más reciente álbum homónimo, «Beyond the Black», que ha recibido críticas entusiastas por su madurez artística y su ambiciosa mezcla de estilos. Este álbum refleja una evolución continua y un refinamiento en su sonido, ofreciendo una experiencia auditiva rica y multifacética. Temas como «Reincarnation» y «Human» han sido particularmente destacados por su profundidad lírica y su complejidad musical.

Mirando hacia el futuro, Beyond the Black muestra un compromiso inquebrantable con la innovación y el crecimiento. La banda ha anunciado planes para futuras giras y ha insinuado nuevos proyectos que prometen continuar sorprendiendo y deleitando a sus fans. Con una dedicación constante a su arte y una habilidad innata para evolucionar, Beyond the Black está bien posicionada para seguir dejando una marca indeleble en la escena del metal sinfónico.

Beyond the Black ha recorrido un camino impresionante desde su formación en 2014. Su capacidad para fusionar la intensidad del metal con la grandiosidad sinfónica, junto con la poderosa interpretación vocal de Jennifer Haben, los ha establecido como una de las bandas más emocionantes y dinámicas del metal moderno. Con cada nuevo lanzamiento, continúan empujando los límites de su género, ofreciendo a sus fans música que es tanto emotiva como técnicamente impresionante. El futuro parece brillante para Beyond the Black, y los seguidores del metal sinfónico pueden esperar más innovaciones y actuaciones electrizantes de esta talentosa banda alemana.

Celtian

Celtian nació como un proyecto instrumental de Diego Palacio, quien deseaba explorar nuevos horizontes musicales tras su salida de Mägo de Oz. El proyecto pronto evolucionó y se convirtió en una banda completa con la incorporación de músicos talentosos que compartían su visión. La formación actual de Celtian incluye a Patricia Tapia (voz), David Landeroin (batería), Sergio Culebras (guitarra), Txus Borao (bajo) y Raquel Eugenio «Zeta» (teclados), además de Palacio en la flauta.

La banda debutó con el álbum «The Druid’s Awaiting» en 2018, un disco instrumental que capturó la atención por su mezcla de melodías celtas y arreglos sinfónicos. Este álbum sentó las bases para el sonido característico de Celtian, marcando el inicio de una prometedora carrera.

El siguiente gran paso para Celtian fue la inclusión de Patricia Tapia como vocalista principal, lo que llevó a un cambio significativo en el enfoque musical de la banda. En 2019, lanzaron «En Tierra de Hadas», su primer álbum con letras y una producción más orientada al metal sinfónico. Este disco fue un éxito entre los fanáticos del género, destacándose por temas como «Tu Hechizo» y «Mirada de Fuego», que combinan la energía del metal con la magia del folk.

En 2020, Celtian continuó su ascenso con el lanzamiento de «Sendas de Leyenda», un álbum que consolidó su sonido y mostró una madurez musical notable. Este trabajo incluye canciones como «Magia de Luna» y «La Musa del Bosque», que demuestran la habilidad de la banda para crear paisajes sonoros ricos y emotivos. El álbum fue bien recibido tanto por la crítica como por el público, afirmando la posición de Celtian como una de las bandas más innovadoras del metal sinfónico en España.

Celtian ha ganado una reputación sólida por sus vibrantes actuaciones en vivo. La banda ha participado en numerosos festivales y ha realizado giras por toda España, cautivando al público con su energía y destreza musical. Su capacidad para recrear la complejidad de sus álbumes en el escenario, combinada con la carismática presencia de Patricia Tapia, ha hecho de sus conciertos una experiencia inolvidable para los asistentes.

En 2023, Celtian lanzó su álbum más reciente, «Resurgir», que ha sido aclamado por su refinamiento y evolución sonora. Este álbum presenta una mezcla aún más cohesiva de elementos folk y metal sinfónico, con letras que exploran temas de mitología, naturaleza y la lucha personal. Canciones como «Hijos del Mar» y «Renacer» han destacado por su profundidad lírica y su intrincada instrumentación.

La banda también ha anunciado una nueva gira para promocionar «Resurgir», con fechas en varios países europeos, lo que marca un paso significativo en su expansión internacional. Celtian sigue comprometido con la innovación musical y ha insinuado futuros proyectos que podrían incluir colaboraciones con otros artistas del género y la exploración de nuevos estilos y sonoridades.

Celtian ha logrado forjar un camino único en la música española y europea, combinando la riqueza de la música tradicional con la intensidad del metal sinfónico. Su capacidad para mezclar lo antiguo con lo moderno ha resonado con una amplia audiencia, ganándose el respeto tanto de los puristas del folk como de los aficionados al metal.

La banda ha demostrado que es posible innovar dentro de géneros establecidos, creando algo fresco y emocionante. Con cada nuevo lanzamiento, Celtian continúa desafiando las expectativas y expandiendo los límites de lo que puede ser el metal sinfónico y el folk metal.

Celtian se ha establecido como una fuerza creativa en la música contemporánea, combinando la tradición y la modernidad en una fusión única que ha capturado la imaginación de los fanáticos en todo el mundo. Con su dedicación a la calidad musical y su habilidad para evolucionar continuamente, Celtian está destinado a seguir dejando una huella duradera en la escena del metal sinfónico y folk. Con «Resurgir», la banda no solo marca un nuevo capítulo en su carrera, sino que también promete muchas más innovaciones y éxitos en el futuro.

Landmvrks

Landmvrks se formó en Marsella, Francia, en 2014. La banda fue creada por los amigos de la infancia Florent Salfati (vocalista) y Nicolas Exposito (guitarrista), quienes compartían una pasión por el metalcore y el post-hardcore. La formación se completó con Rudy Purkart (bajo), Thomas Lebreton (guitarra) y Nicolas Soriano (batería). Desde sus inicios, Landmvrks se destacó por su energía en el escenario y su habilidad para fusionar diversos elementos del metal moderno con influencias de géneros más melódicos.

El primer álbum de la banda, «Hollow», lanzado en 2016, estableció a Landmvrks como una fuerza emergente en la escena del metalcore. Con temas como «Empty Place» y «Winter», el álbum recibió elogios por su producción pulida y su enfoque dinámico. «Hollow» mostró una mezcla de riffs pesados, breakdowns contundentes y melodías pegajosas, sentando las bases para el sonido característico de la banda.

En 2018, Landmvrks lanzó su segundo álbum, «Fantasy», bajo el sello Arising Empire. Este lanzamiento marcó un paso significativo en la evolución de la banda, presentando un sonido más maduro y una producción más ambiciosa. Canciones como «Blistering» y «Reckoning» demostraron la habilidad de Landmvrks para explorar temas más oscuros y personales, mientras mantenían su distintiva combinación de agresividad y melodía.

«Fantasy» fue bien recibido tanto por críticos como por fans, y ayudó a consolidar la reputación de la banda en la escena internacional. La banda se embarcó en extensas giras, tocando en festivales importantes y compartiendo escenario con otros gigantes del metalcore, lo que les permitió expandir su base de seguidores globalmente.

En 2021, Landmvrks lanzó su tercer álbum, «Lost in the Waves», un trabajo que ha sido descrito como su esfuerzo más cohesivo y ambicioso hasta la fecha. Con una producción impecable y una variedad de influencias estilísticas, «Lost in the Waves» ha elevado aún más el perfil de la banda. Temas como «Rainfall» y «Paralyzed» destacan por su intensidad emocional y su complejidad musical, mostrando el crecimiento continuo de la banda.

«Lost in the Waves» no solo consolidó la posición de Landmvrks como uno de los actos más emocionantes del metalcore moderno, sino que también demostró su capacidad para innovar dentro del género. La banda ha sido elogiada por su habilidad para combinar elementos tradicionales del metalcore con toques modernos, creando una experiencia auditiva fresca y relevante.

La fuerza de Landmvrks no se limita a sus grabaciones de estudio. La banda es conocida por sus intensas y enérgicas presentaciones en vivo, que han sido clave para su creciente popularidad. Han participado en numerosos festivales importantes de metal y hardcore en Europa, como el Hellfest y el Download Festival, donde su entrega en el escenario y su conexión con el público han dejado una impresión duradera. Los shows de Landmvrks se caracterizan por una atmósfera electrizante, con una combinación de técnica impecable y una presencia escénica carismática que transforma cada concierto en una experiencia inolvidable.

Las letras de Landmvrks abarcan una amplia gama de temas, desde la introspección y el dolor personal hasta la resistencia y la lucha. La banda no teme abordar cuestiones difíciles y emocionales, lo que añade una capa de profundidad y autenticidad a su música. En «Lost in the Waves», por ejemplo, se exploran temas como la depresión, el aislamiento y la búsqueda de identidad, lo que resuena profundamente con su audiencia.

Musicalmente, Landmvrks se distingue por su capacidad para fusionar la brutalidad del metalcore con melodías accesibles y elementos de otros géneros, como el post-hardcore y el nu-metal. Su sonido está influenciado por bandas icónicas como Parkway Drive, Architects y Bring Me The Horizon, pero han logrado crear un estilo propio que es a la vez agresivo y melódico.

Uno de los aspectos más notables del sonido de Landmvrks es la voz versátil de Florent Salfati, quien maneja tanto los guturales poderosos como las voces limpias emotivas con igual destreza. Esta versatilidad vocal, combinada con los riffs agresivos y las estructuras de canciones dinámicas, les permite explorar una amplia gama de emociones y crear una experiencia auditiva rica y variada.

Landmvrks ha mostrado un crecimiento constante desde sus inicios y continúa innovando y expandiendo su sonido. En sus más recientes giras y proyectos, han trabajado en colaboración con otros artistas y bandas, lo que ha ayudado a ampliar su alcance y a introducir su música a nuevas audiencias. La banda sigue comprometida con la creación de música que no solo es potente y agresiva, sino también significativa y emocionalmente resonante.

A medida que la escena del metalcore sigue evolucionando, Landmvrks se posiciona como uno de los actores clave, con la capacidad de influir y definir el futuro del género. Su enfoque en la autenticidad, la innovación y la conexión emocional asegura que seguirán siendo una fuerza relevante y poderosa en la música contemporánea.

Landmvrks ha emergido como una banda destacada en el panorama del metalcore moderno gracias a su habilidad para combinar agresividad y melodía de manera única y efectiva. Con una discografía que refleja su crecimiento y evolución constante, y una presencia en vivo que electrifica a su audiencia, la banda continúa dejando una marca indeleble en la música contemporánea. Su dedicación a la innovación y su capacidad para resonar emocionalmente con sus fans aseguran que Landmvrks seguirá siendo una fuerza influyente en la escena del metalcore en los años venideros.

Ankhara

Ankhara se formó en Madrid en 1995, con la alineación original compuesta por Pacho Brea (voz), Cecilio Sánchez-Robles (guitarra), Alberto Marín (guitarra), Sergio Martínez (bajo) y Jesús Alcalde (batería). Desde el principio, Ankhara se destacó por su potente combinación de power metal y heavy metal, influenciada por bandas clásicas como Helloween y Iron Maiden, pero con un toque distintivo que resonaba con el público español.

En 1999, lanzaron su álbum debut «Dueño del Tiempo», que rápidamente se convirtió en un referente del metal en España. Canciones como «3:40» y «Un Paso Más» destacaron por su energía y virtuosismo, estableciendo a Ankhara como una fuerza emergente en la escena musical.

El éxito de su primer álbum fue seguido por «II» en 2000 y «Sombras del Pasado» en 2003. Estos lanzamientos no solo consolidaron su estatus en España, sino que también les permitieron alcanzar una audiencia más amplia en Europa y América Latina. Las giras extensas y las actuaciones en festivales importantes ayudaron a solidificar su reputación como una banda enérgica y técnicamente impecable.

Sin embargo, en 2004, la banda anunció una pausa indefinida, dejando a muchos fans en la incertidumbre sobre el futuro de Ankhara.

Después de una pausa de más de una década, Ankhara sorprendió a sus seguidores con un regreso triunfal en 2013. Con Pacho Brea nuevamente al frente, la banda lanzó el álbum «Sinergia» en 2018, demostrando que no habían perdido su toque mágico. El álbum recibió elogios por su producción moderna y su fiel adhesión al sonido clásico de Ankhara, revitalizando el interés en la banda tanto de los viejos fans como de nuevos oyentes.

Canciones como «Te Toca Sufrir» y «Sueña» mostraron una madurez musical y una profundidad lírica que resonaron fuertemente con su audiencia. El éxito de «Sinergia» llevó a Ankhara a una serie de giras exitosas, consolidando su regreso a la escena del metal.

En 2019, Ankhara lanzó «Premonición», un álbum que continuó con la tendencia de combinar su estilo clásico con elementos modernos. Este lanzamiento confirmó que la banda estaba aquí para quedarse y que seguían siendo relevantes en el competitivo mundo del metal. La recepción crítica y comercial fue positiva, destacando la capacidad de Ankhara para evolucionar sin perder su esencia.

Además de su trabajo en estudio, Ankhara ha mantenido una presencia activa en los escenarios, participando en numerosos festivales y ofreciendo conciertos en toda España y Europa. Su energía en vivo y su conexión con el público han sido factores clave para su resurgimiento y éxito continuado.

Ankhara ha dejado una marca indeleble en la historia del metal español. Su capacidad para combinar la intensidad del power metal con letras introspectivas y emocionales ha influido en numerosas bandas emergentes. A lo largo de su carrera, han demostrado una dedicación inquebrantable a su arte, enfrentando desafíos y reinventándose continuamente para mantenerse relevantes.

Con más de dos décadas de trayectoria y un regreso triunfal, Ankhara sigue siendo una de las bandas más importantes del metal español. Su capacidad para evolucionar mientras permanecen fieles a sus raíces ha asegurado su lugar en el panteón del metal. A medida que continúan lanzando nueva música y actuando en vivo, Ankhara sigue inspirando a nuevas generaciones de fanáticos del metal, demostrando que el espíritu del heavy metal está muy vivo y fuerte en España.

Unto Others

La banda fue formada en 2017 en Portland, Oregón, por Gabriel Franco (voz y guitarra) y Sebastian Silva (guitarra). Inicialmente conocida como Idle Hands, la banda rápidamente se destacó por su capacidad para fusionar el metal gótico, el post-punk y el heavy metal en una amalgama única y cautivadora. Su primer EP, «Don’t Waste Your Time», lanzado en 2018, recibió aclamación crítica por su sonido fresco y nostálgico, que evocaba las mejores cualidades de bandas icónicas como The Sisters of Mercy y Type O Negative.

En 2019, Idle Hands lanzó su primer álbum completo, «Mana», que fue ampliamente elogiado por su atmósfera melancólica y sus composiciones. Canciones como «Give Me to the Night» y «Dragon, Why Do You Cry?» mostraron la habilidad de la banda para combinar letras profundas y emocionales con riffs memorables y ritmos contagiosos.

En 2020, debido a problemas legales relacionados con su nombre, la banda decidió cambiar su nombre a Unto Others. Este cambio no ralentizó su impulso; de hecho, sirvió como un nuevo capítulo en su evolución musical.

En 2021, Unto Others lanzó su segundo álbum, «Strength», bajo su nuevo nombre. El álbum fue recibido con entusiasmo tanto por fanáticos como por críticos, consolidando su posición en la escena del metal gótico. «Strength» se destaca por su producción pulida y su habilidad para navegar entre la oscuridad y la luz, con temas que abarcan desde la introspección hasta la desesperanza.

Canciones como «When Will Gods Work Be Done» y «No Children Laughing Now» ejemplifican la capacidad de Unto Others para crear música que es a la vez poderosa y emotiva. La voz distintiva de Gabriel Franco y la instrumentación precisa de la banda han permitido a Unto Others construir un sonido que es inconfundiblemente suyo, a pesar de las inevitables comparaciones con los gigantes del género.

Unto Others se inspira en una amplia gama de influencias musicales, desde el metal gótico y el post-punk hasta el heavy metal clásico. Su estilo se caracteriza por la combinación de guitarras contundentes, líneas de bajo melódicas y una percusión sólida, todo envuelto en una atmósfera sombría y evocadora. La banda ha citado a artistas como The Cure, Danzig y Judas Priest como influencias clave, lo que explica su capacidad para mezclar elementos de diferentes géneros en una forma cohesiva y original.

Desde su formación, Unto Others ha tenido un impacto significativo en la escena del metal gótico y más allá. Su capacidad para atraer tanto a los fanáticos del metal como a los amantes del post-punk y el rock gótico les ha permitido construir una base de seguidores diversa y dedicada. Han participado en importantes festivales y giras, compartiendo escenario con bandas legendarias y emergentes, lo que ha aumentado su visibilidad y prestigio.

El futuro de Unto Others parece brillante. Con su enfoque innovador y su dedicación a la creación de música auténtica y conmovedora, la banda está bien posicionada para continuar su ascenso en la escena musical global. Los fanáticos esperan con ansias sus próximos proyectos y giras, seguros de que Unto Others seguirá desafiando las expectativas y expandiendo los límites del metal gótico.

Unto Others ha demostrado ser una fuerza renovadora en el metal gótico contemporáneo. Con un sonido que mezcla lo mejor del pasado con una visión clara hacia el futuro, la banda ha conseguido crear un nicho propio en la escena musical. A medida que continúan evolucionando y experimentando, Unto Others se asegura de dejar una marca indeleble en el panorama del metal y más allá.

Ignea

Ignea se formó en 2013 en Kiev, Ucrania. Inicialmente, la banda comenzó bajo el nombre de Parallax, pero en 2015 adoptaron el nombre Ignea para reflejar mejor su identidad musical y conceptual. La banda está compuesta por Helle Bogdanova (voz), Evgeny Zhytnyuk (teclados), Dmitriy Vinnichenko (guitarra), Xander Kamyshin (bajo) e Ivan Kholmogorov (batería). Desde sus inicios, Ignea se ha propuesto crear una fusión única de metal sinfónico con influencias orientales, una misión que han llevado a cabo con notable éxito.

El debut de Ignea con el EP «Sputnik» en 2013 ya mostraba su inclinación por integrar elementos sinfónicos y electrónicos en su música. Sin embargo, fue con su primer álbum de larga duración, «The Sign of Faith» (2017), que la banda realmente empezó a definir su sonido característico. Este álbum fue notable por su ambición conceptual y su capacidad para combinar temas de mitología oriental y ciencia ficción con riffs potentes y melodías orquestales.

En 2020, Ignea lanzó su segundo álbum, «The Realms of Fire and Death», un trabajo conceptual dividido en tres partes, cada una explorando diferentes aspectos de la existencia y la mitología. El álbum recibió críticas muy positivas por su complejidad musical y lírica, así como por la potente voz de Helle Bogdanova y la producción meticulosa.

Las letras de Ignea a menudo exploran temas de mitología, fantasía, y cuestiones existenciales. La banda se inspira en una variedad de culturas y tradiciones, especialmente las mitologías orientales, para crear historias ricas y envolventes. Canciones como «Alga» y «Petrichor» no solo destacan por su musicalidad, sino también por su profundidad lírica y narrativa.

Ignea ha sido elogiada por su capacidad para innovar dentro del género del metal sinfónico, incorporando influencias orientales y elementos electrónicos de manera efectiva. Su música ha resonado con un público global, ayudándolos a ganar seguidores en Europa, América y Asia. La banda ha participado en numerosos festivales de metal de renombre y ha compartido escenario con bandas influyentes como Orphaned Land y Fleshgod Apocalypse.

A pesar de los desafíos presentados por la pandemia global, Ignea ha continuado trabajando arduamente. En 2021, lanzaron una versión acústica de su popular canción «Jinnslammer», demostrando su versatilidad y habilidad para reinterpretar su música en diferentes contextos.

Ignea ha emergido como una fuerza innovadora en el mundo del metal, combinando elementos sinfónicos y orientales con una intensidad y musicalidad impresionantes. Con cada lanzamiento, la banda ha demostrado su capacidad para crecer y evolucionar, manteniéndose fiel a su visión artística mientras exploran nuevos horizontes sonoros. A medida que continúan su viaje musical, Ignea sigue siendo una banda a tener en cuenta, prometiendo más música emocionante y evocadora en los años venideros.

Bloodhunter

Bloodhunter fue fundada en 2008 por el guitarrista Fenris, conocido por su trabajo en bandas como Shroud of Tears y Y3K. La formación original incluyó a Fenris en la guitarra, Phoghett en el bajo y Xard en la batería. Desde el principio, la banda se centró en crear una mezcla distintiva de death metal melódico que incorporara elementos de thrash y black metal.

El lanzamiento de su primer EP, «The First Insurrection», en 2013, demostró el potencial de la banda, pero fue con la incorporación de Diva Satanica (Eva María Martín) como vocalista principal que Bloodhunter realmente encontró su voz. Su registro gutural y su capacidad para transmitir emoción y ferocidad a partes iguales han sido fundamentales para definir el sonido de la banda.

Bloodhunter lanzó su primer álbum homónimo en 2014, presentando una colección de canciones que combinaban riffs agresivos con melodías complejas y estructuras de canciones innovadoras. El álbum recibió críticas positivas, destacando la técnica y la pasión de la banda.

En 2017, lanzaron su segundo álbum, «The End of Faith», que consolidó su reputación en la escena del death metal melódico. Este álbum fue notable por su producción impecable y su enfoque en temas oscuros y filosóficos. Canciones como «Eyes Wide Open» y «Still Standing Up» mostraron la evolución musical de la banda, con composiciones más sofisticadas y una mayor diversidad en su sonido.

Las letras de Bloodhunter exploran una amplia gama de temas, desde la introspección personal y la lucha interna hasta la crítica social y la exploración de lo sobrenatural. Diva Satanica, además de su impresionante rango vocal, aporta una profundidad lírica que eleva la música de la banda. Las letras suelen abordar la resistencia, la superación del dolor y la búsqueda de la verdad en un mundo caótico.

Bloodhunter ha sido reconocido por su energía en vivo y su habilidad para conectar con el público. Han compartido escenario con bandas de renombre como Arch Enemy, Dimmu Borgir y Behemoth, y han participado en festivales importantes como el Resurrection Fest y el Leyendas del Rock.

La banda ha cultivado una base de seguidores leales en todo el mundo, gracias en parte a su presencia activa en las redes sociales y su dedicación a la interacción con los fanáticos. Su enfoque DIY y su determinación para mantener el control creativo sobre su música han resonado con muchos en la comunidad del metal.

Bloodhunter ha demostrado ser una fuerza innovadora en el death metal melódico, combinando técnica y pasión para crear música que es a la vez brutal y emotiva. Con una carrera en ascenso y una dedicación inquebrantable a su arte, la banda está bien posicionada para seguir dejando una marca indeleble en la escena del metal. A medida que se preparan para lanzar nuevo material y continuar su camino ascendente, Bloodhunter sigue siendo una banda a seguir de cerca, prometiendo más música poderosa y actuaciones electrizantes en los años venideros.

Hitten

Hitten se formó en 2011, cuando los guitarristas Dani Meseguer y Johnny Lorca decidieron unir fuerzas para crear una banda que rindiera homenaje al sonido clásico del heavy metal. La formación original se completó con Aitor Navarro en la voz, Raúl Hernández en el bajo y Álvaro «Kuma» en la batería. Desde el principio, Hitten se propuso revivir la energía y la esencia del metal de la vieja escuela, inspirado por bandas como Iron Maiden, Judas Priest, y Saxon.

El debut discográfico de Hitten llegó en 2013 con el EP «Shake the World», que rápidamente llamó la atención de los fanáticos del heavy metal por su sonido auténtico y su habilidad para capturar la magia de los años 80. Este lanzamiento fue seguido por su primer álbum de larga duración, «First Strike with the Devil» (2014), que consolidó su reputación como una banda prometedora en la escena del metal clásico.

En 2016, Hitten lanzó su segundo álbum, «State of Shock», que recibió elogios por su madurez musical y la calidad de sus composiciones. Con canciones como «Wrong Side of Heaven» y «Eternal Force», el álbum mostró una banda en crecimiento, capaz de combinar riffs potentes, solos vertiginosos y melodías memorables.

El siguiente paso en su evolución fue el álbum «Twist of Fate» (2018), donde presentaron a su nuevo vocalista, Alexx Panza. La llegada de Panza marcó un punto de inflexión para la banda, aportando una nueva dimensión a su sonido con su potente registro vocal. El álbum fue bien recibido y solidificó la posición de Hitten en la escena del metal.

En 2020, Hitten lanzó «Triumph & Tragedy», su álbum más ambicioso hasta la fecha. Este trabajo demostró la capacidad de la banda para evolucionar y experimentar dentro del marco del heavy metal clásico. Con canciones destacadas como «Built to Rock» y «Eyes Never Lie», el álbum ha sido aclamado por su producción impecable y la cohesión de su sonido.

Las letras de Hitten abordan una variedad de temas, desde la introspección personal y las luchas emocionales hasta la celebración del estilo de vida del metal y la resistencia frente a la adversidad. La banda se distingue por su habilidad para combinar historias épicas y realidades cotidianas, creando una conexión profunda con sus oyentes.

Hitten ha sido elogiado tanto por la crítica como por los fans por su dedicación al sonido clásico del heavy metal y su habilidad para aportar una energía contemporánea a sus composiciones. Han compartido escenario con bandas de renombre como Accept, Sabaton, y Riot V, y han participado en importantes festivales de metal en Europa, consolidando su presencia en la escena internacional.

La banda ha cultivado una base de seguidores leales que aprecia su autenticidad y su pasión por el metal. Hitten se ha ganado una reputación por sus enérgicos shows en vivo, donde su virtuosismo musical y su carisma escénico brillan intensamente.

Hitten continúa trabajando en nuevo material, con planes de lanzar su próximo álbum en 2024. Este nuevo trabajo promete seguir explorando el sonido que los ha hecho famosos, al tiempo que incorpora nuevas influencias y experiencias acumuladas a lo largo de los años.

Hitten ha demostrado ser un digno sucesor de las grandes bandas de heavy metal de los 80, manteniendo viva la llama del metal clásico mientras infunde su propio estilo y energía. Con su talento innegable y su pasión por la música. A medida que se preparan para lanzar nuevo material y continuar su ascenso en la escena mundial, Hitten es sin duda una banda a seguir de cerca.

Scarecrow Avenue

La banda nació de la unión de cinco músicos con una visión compartida de crear música que fusionara la agresividad del metal con melodías pegajosas y letras introspectivas. Los miembros fundadores, Juan Hernández (voz), Miguel Ángel Gil (guitarra), Dani Peña (guitarra), José Manuel Gil (bajo) y Vicente Gil (batería), comenzaron a escribir y a tocar juntos, rápidamente desarrollando un sonido distintivo que resonó con una amplia audiencia.

Scarecrow Avenue lanzó su primer EP homónimo en 2013, que sirvió como una carta de presentación poderosa y estableció la base para su estilo musical. Este EP mostró la capacidad de la banda para mezclar riffs contundentes con secciones melódicas y coros memorables, creando un sonido accesible pero auténtico.

En 2015, la banda lanzó su primer álbum de larga duración, «Más allá del silencio», que recibió elogios por su producción pulida y su diversidad musical. Canciones como «Esclavo del miedo» y «Sin mirar atrás» destacaron por sus letras introspectivas y su energía visceral, consolidando la reputación de Scarecrow Avenue como una banda a tener en cuenta en la escena del metal español.

El siguiente álbum, «Ártico» (2018), representó un paso significativo en la evolución de la banda. Con una producción más madura y una mayor cohesión en su sonido, «Ártico» exploró temas más oscuros y personales, reflejando el crecimiento artístico de sus miembros. La canción «Héroes» se convirtió en un himno para los fans, destacando la habilidad de la banda para crear música emocionalmente resonante.

Las letras de Scarecrow Avenue abordan una variedad de temas, desde la introspección personal y las luchas emocionales hasta la crítica social y la resistencia frente a la adversidad. La banda utiliza su música como un vehículo para explorar las complejidades de la condición humana, ofreciendo a los oyentes una experiencia tanto reflexiva como catártica.

Scarecrow Avenue ha sido elogiada por su capacidad para innovar dentro del género del metal, incorporando influencias de diferentes estilos y creando un sonido propio. Han compartido escenario con bandas nacionales e internacionales de renombre, lo que ha ampliado su base de seguidores y les ha permitido mostrar su talento en una variedad de escenarios.

La banda es conocida por sus enérgicos y apasionados conciertos en vivo, donde su destreza musical y su carisma escénico cautivan al público. Han participado en importantes festivales de metal en España, consolidando su presencia en la escena local e internacional.

Scarecrow Avenue ha estado trabajando en nuevo material, con planes de lanzar su próximo álbum en 2024. Este nuevo trabajo promete seguir explorando el sonido que los ha hecho famosos, al tiempo que incorpora nuevas influencias y experiencias acumuladas a lo largo de los años.

La banda también está planeando una extensa gira para promocionar su próximo álbum, con fechas en varios países europeos y posiblemente en América Latina. Los fanáticos esperan con ansias ver cómo Scarecrow Avenue sigue evolucionando y llevando su música a nuevos públicos.

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